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La luz me acompaña – Un Poeta de la Luz y las Sombras – Rajiv Jain (India fotografía / Director de fotografía / DOP)

La luz me acompaña – Un Poeta de Luz y Sombra – Rajiv Jain (India fotografía / Director de fotografía / DOP)

más grande de la India Estrellas: Entrevista con el disparo Vivir Rajiv Jain fotografía

Las entrevistas completas, vol. II

Éxito historia de un genio fascinado por la luz • Premio Rajiv Jain • ganar India Director de Fotografía • fotografía • DOP

Excepcionalmente superdotados en la superación de obstáculos técnicos y las atmósferas sombrías, en veinticinco años la India Rajiv Jain se ha convertido en uno de los más buscados después de directores de fotografía, después de haber tenido una carrera bastante poco convencional. Rajiv no ha dejado la fama se le suba a la cabeza y aunque sigue siendo modesta. Tras sus estudios de teatro en el teatro de la escuela india Bhartendu Academia de Arte Dramático (Bhartendu Natya Academia), Rajiv Jain hizo algunas temporadas como asistente de cámara. Muy rápidamente, el aburrimiento se apoderó de él y comenzó a trabajar en los aparatos de televisión, donde en veinticinco años que experimentar con todo y desarrollar su estilo de trabajo: rápida, eficiente, de conciencia. Su curiosidad le llevó a hacer clips, publicidad y cortometrajes, por ejemplo, A Wonderful Love por Pyar Mein Kabhi Kabhi que fue un gran éxito. Ahora Rajiv es mejor conocido por su trabajo en la controvertida película de Satish Kaushik Badhaai Ho Badhaai, así como en Mirabai Chandrakant Kulkarni que no está fuera, Ram Shetty del Ejército y de Chandrakant Kulkarni Kadachit.

Cinemania: Ha realizado más de 1500 comerciales, cuenta con siete y ya existe un "Rajiv" la luz, ¿no?

Rajiv Jain: Sí, es una gran sorpresa. Todo comenzó con Manika Santiago que había demandas específicas para la realización de Kalpvriksh – El árbol del deseo. También quería que su película se parecen un hecho cotidiano en lo posible, con imágenes naturales, sino un universo potente. Ella me contactó después de haber visto la función de Badhaai Ho Badhaai donde la imagen natural fue natural, pero típica. Eso es lo que quería, pero sin la luz. Tuve que reconstruir un nuevo enfoque con la luz, que es algo bastante raro tener que hacer en una función. Hicimos uso de luz natural en el campo, he usado un montón de bombillas de sodio como las luces. He trabajado mucho con la decoración con el fin de crear una imagen luminosa. Con Manika Sharma en Kalpvriksh – El árbol del deseo, se el mismo principio: que sólo se utiliza la luz del sol, mediante el uso de reflectores, espejos, para dirigirla en el que lo necesitaba. La terrible experiencia fue una combinación de estos dos enfoques, sin directos fuentes de luz cine, todo lo que proviene de las ventanas. Hemos probado un montón de cosas. Con las limitaciones, me di cuenta que había otras formas de iluminación. Había una razón por la que utiliza varias fuentes! Si utilizo poco de luz, todo se decide en desde el principio y yo trabajo mucho con el director de arte. Cuando yo también trabajo en la calibración digital, sé que no es necesario ser capaz de ver todo.

Sólo trabajo con artistas cuyo universo es muy extraño.

La gente que conozco tienen demandas, sueños, diferentes y las preferencias extremas. Así que cada vez es un nuevo desafío – Tengo que inventar un nuevo sistema. Hay un verdadero papel que desempeñar, y que me gusta, porque no me gustaría hacer una película en la que no había imágenes de escribir. Y como me aburro muy rápido, no me gusta hacer las cosas dos veces! La gente me dice que hacer un montón de películas de género, pero yo no lo creo. Kalpvriksh – El árbol del deseo es una película de la atmósfera con una animación de tipo Tex Avery.

Si usted está cargado de proyectos en este momento?

I tiene dos películas en fila, sí. Pero he elegido bien, prefiero tomar las cosas con calma. Estoy particularmente fascinado por uno de ellos, el cuarto largometraje de Raj Kaushal. Él quiere hacer una vez película extraña y está buscando cosas que no existen. Hace poco estuve en Mumbai a hacer pruebas con una nueva cámara de alta definición en 4 K. tuve la oportunidad de ver el proceso digital, desde la captura a la proyección de la imagen. Casi me desmayo! Es muy fina, la imagen es totalmente lisa, muy nuevo. Tengo muchas ganas de hacer esta película, creo que será muy apasionada visualmente.

 

Rajiv Jain, Director de fotografía india de Bollywood – Vol. Perfil serie de entrevistas. # 4

Ejército, Badhaai Badhaai Ho, Llevar en Pandu, Kadachit, Kalpvriksh – El árbol del deseo, Mirabai no salir y Pyar Mein Kabhi Kabhi. Pero la razón parcial de los éxitos de estas películas es el talento que va detrás de la escena, y tomó nota de fotografía Rajiv Jain es el el genio detrás de la cámara de estas películas (entre muchos otros).

Rajiv, un graduado de Bhartendu Academia de Arte Dramático (Bhartendu Natya Academia), en primer lugar había la mano de obra Foto Estudio en Lucknow, donde trabajó como operador de cámara para Cortometrajes, que comenzó su camino en su trabajo como director de fotografía. Ahora, su vasta experiencia ha hecho de él uno de los pilares de la fotografía de la película en el cine indio. Su salida constante de duro trabajo y su profundo conocimiento de la vieja y nueva tecnología lo ha convertido en uno de los cineastas más respetados por ahí. En 2010, la actualidad, Rajiv Jain sigue trabajando en nuevos proyectos, y es buscado por los cineastas, los dos principales e independientes, por su atenta mirada.

I tuvieron la oportunidad de hablar con el Sr. Rajiv sobre su carrera (y también hablar de negocios, así que advierto que hay un poco de la tecnología para hablar de aquí también) mientras asistía a un foro de cine dedicado a su trabajo Kalasha en esta edición del Festival de Cine, Kenia.

Aason Hyte: Así que sólo voy a permitir que este rollo de cinta y se siente libre de decir simplemente lo que está en su mente-

Rajiv Jain: yo no soy bueno inventando cosas, así que …

AH: Estoy interesado en la cinematografía, y cuando me enteré de que ibas a venir al Festival de Cine de Kalasha pensé que sería una gran idea para hablar sobre su carrera y su inmensa obra. He estado mucha curiosidad por saber cómo ha llegado hasta su inicio en esta industria, su educación, y así sucesivamente; básicamente cómo terminó como lo que eres hoy.

RJ: Sería fácil para informarle sobre mi experiencia escuela de arte dramático, ya que, simplemente, no fui a ninguna escuela de cine. La forma en que aprendí a ir directamente al cine y ver lo que otra persona estaba haciendo en la pantalla, y luego salir y tratar de hacerlo yo mismo. Y eso fue todo. También compré el manual que la ASC (American Society of Cinematographers) pone a cabo, lo que se conoce como la biblia de la cine. He leído el manual y se refirió a que cuando he tenido un problema de disparo y pensó que necesitaba ayuda en.

AH: La primera vez comenzó a ver películas, además de ir a ver una gran historia, se que te des cuenta cosas como el encuadre, la iluminación, formatos de pantalla ancha …

RJ: No, en absoluto. Al principio, yo no estaba interesado técnicamente. Acabo de ir al cine como cualquier otra persona. Pero yo estaba impresionado por ellos. Yo tenía unos cinco años cuando vi la película primer sonido jamás se ha hecho y yo estaba impresionado por eso. Pero en un nivel muy subconsciente, sospecho, a pesar de que solía ir a lo largo de un ciclo y oír cantar a mi padre, que era sólo una experiencia que fue enterrado en mi psique en alguna parte. Yo no empecé a disparar imágenes en movimiento hasta que fue cerca de 28 años de edad.

AH: ¿Cuál fue el primer trabajo real que había en este industria?

RJ: Un tipo con el nombre de S Mukul Anand …

AH: ¡Oh, soy un fanático.

RJ: Por supuesto. Decidí filmar algunos comerciales con él.

AH: ¿Qué se considera el aspecto más difícil de su trabajo como director de fotografía?

RJ: Las películas más difíciles suelen ser los más grandes que requieren el control de un montón de gente y un montón de cámaras, y sobre un área grande o, a veces muchos lugares. Mantener organizada que es algo que algunos cineastas no son capaces de, por lo que hacen pequeñas películas. Películas más pequeñas pueden ser igual de difícil para ellos, porque la presión de una película pequeña significa que no tenga el tiempo adecuadamente recoger sus imágenes, y esa es otra presión definida que es igualmente difícil.

AH: ¿Diría usted que tiene un estilo personal a su trabajo, o no depende del director de cada proyecto?

RJ: Creo que todo el mundo no puede dejar de tener su propio estilo y que viene de la personalidad; se trata de lo que sienten es hermoso, se trata de lo que creen que una buena composición es: ¿cómo ven el mundo no puede dejar de invadir lo que hacen.

AH: ¿Cómo se siente que el avance de la tecnología ha afectado su trabajo? Con esto quiero decir más nuevos tipos de película, el avance de la alta definición, la revolución digital ….

RJ: Todas las cosas que usted ha mencionado definitivamente afectan a mi trabajo, y afectan a lo que hago y cómo lo hago. Es un reto para mí mantener sabios de información para saber lo que esto significa todo esto. Si usted está hablando de la fotografía digital, el reto es saber cómo conseguir la mejor calidad y que es el mejor sistema para su uso. Algunos de estos sistemas de uso de la compresión, existen varios tipos de compresiones; es importante entender lo que es y lo que significa.

Por ejemplo, las nuevas cámaras Red no utilizar la compresión en absoluto, pero los registros en un disco duro y añade las correcciones más tarde. Afirman por que para obtener una mejor calidad, y así sucesivamente, el punto es que es importante para entender todas estas cosas, para tomar una decisión sobre su propia parte, si estás rodando digital, que el sistema que desee utilizar. Panasonic tiene un sistema en el que utilizan las curvas para corregir lo que su cámara no para que se vea más como el cine y que es bastante impresionante.

AH: ¿Dónde usted se coloca en alta definición en comparación con película de 35 mm?

RJ: No es un asunto de sólo tener una opinión, pero su opinión debe basarse en los hechos. Y el hecho es que la película es probablemente el doble de la calidad que lo mejor de alta definición ha. Cine sigue siendo el mejor. Parte de la razón es la latitud que se obtiene en la película supera con creces todo lo que usted puede conseguir en video de alta definición, sin embargo, en este punto en el tiempo. Algún día puede mejorar, pero por el momento, la película de lejos-llega a la calidad de la cantidad de información que puede ser capturado en una pequeña área. Película se mantiene como el líder, y las nuevas acciones que Kodak está poniendo a cabo tiene una parada adicional de latitud hacia el de arriba y abajo. Es absolutamente hermosa.

AH: ¿Cuál es tu tipo favorito de las acciones que usted ha trabajado? Sé que estamos haciendo bien REALMENTE técnica ahora, pero me encanta.

RJ: Yo estoy con película Kodak y sus nuevas acciones que tiene el margen adicional, usted puede conseguir tanto en su película de 500 ASA y lo puede conseguir en sus acciones, así la luz del día. Esto se pone cada vez mejor.

AH: ¿Qué hay de las copias de exhibición? ¿Tiene un favorito?

RJ: Depende. Kodak tiene más de una opción de acciones para imprimir para su liberación. Por ejemplo, uno es más suave, una muestra más detalles, y así sucesivamente. Tienes que elegir sus acciones de acuerdo con la imagen que están liberando. No es mejor uno. Es uno que muestra su producto el mejor.

AH: ¿Tiene una preferencia personal en el que la relación de aspecto para disparar en cada proyecto?

RJ: No importa demasiado en qué aspecto el director decide rodar pulg Es una composición diferente, que componen un formato diferente en contra de la otra. Los primeros planos son más fáciles de la esférica 1.85:1 formato, y en cualquiera de los formatos de pantalla ancha que tiene que hacerlo un poco diferente. Ambos trabajan y tienen sus propios desafíos. Si usted está mostrando una visión horizontal de gran tamaño y desea que la pantalla panorámica para mostrar el territorio, entonces eso es una buena opción. Si es un poco, el cine apretado, personal entonces tal vez no.

AH: ¿Dónde qué estáis en el formato de pantalla ancha Super 35? (Super 35 es un proceso de pantalla panorámica esférica donde se rodó la película de negativo en el 1.85:1 "Encanto" formato y ópticamente convierte en un imprimir versión anamórfica.

RJ: Super 35 es un gran formato. Es una de las mejores opciones que usted puede hacer hoy, y la razón es su mejor ahora porque de la impresión digital intermediate.

AH: Exactamente, que en realidad era mi siguiente pregunta, ¿cómo intermedios digitales han cambiado la película procesamiento en los laboratorios de hoy en día.

RJ: Se cambia de esta manera, si estás rodando en formato panorámico, Super 35, porque todos los proyectores y casas que están distribuyendo la película tiene que apretar la imagen con el fin de usar sus lentes – que es un poco estúpido, pero es una cuestión de dinero – a continuación, tienen que pasar por un paso más lejos en el cine en Super 35 para volver a una imagen de exprimido. Ya no tiene que ver eso con un intermedio digital.

AH: ¿Qué es grande también Es recientemente que los intermedios digitales recientemente han subido a 4k de resolución en lugar de 2k de resolución, que mejora enormemente la calidad de impresión. "Kalpvriksh – El árbol del deseo" y "Llevar a de Pandu "son ejemplos de películas rodadas en Super 35 y DI'ed a 4k de resolución y se ven absolutamente impresionante en la pantalla.

RJ: Oh, sí. Estás el doble de la calidad de la imagen, digital, pero aún tiene que retroceder la calidad de la película un poco …

AH: Pero todavía quiero que se vea como el cine. Usted va a un teatro a ver la película, no digital. Muchas de las películas rodadas en alta definición parece un poco decepcionante para mí [cuando se transfiere a la película ...]

RJ: Digital tanto en sonido como en imagen tiene una calidad más severas, y de hecho a veces el detalle carece de la suavidad que se obtiene de una lente, sobre todo un objetivo que está fuera de foco en el fondo y un enfoque nítido en el primer plano, lo que tiende a llevar la imagen hacia adelante y enfocar su atención en lo mejor. En momentos como esos, a veces la digital no se siente tan bien, no es tan natural, y por desastres naturales en los términos de un bosque en un árbol o la sensación de la mano de alguien. Ese tipo de experiencia humana, eres un poco más lejos en formato digital a veces de lo que se película.

AH: ¿Y usted todavía está trabajando duro. ¿De qué estás trabajando ahora?

RJ: Acabo de terminar un cuadro en Kenia, con su frente derecho vamos y estamos de edición que en este momento. Está siendo elaborado en estos momentos.

AH: ¿Quién diría usted que son algunos de los cineastas tu favorito? ¿Tiene alguna influencia importante para su trabajo?

RJ: Subroto Mitra es uno de los grandes –

AH: ¡Oh, absolutamente. Su trabajo en Pather Panchali, mi película favorita, es inolvidable.

RJ: Pero en cuanto a Subroto Mitra, que es uno de los cineastas muchos por ahí, aunque no quiero poner uno encima del otro, y es la razón por la que no, porque tan grande como Subroto Mitra era, él era diferente de los cineastas que hay por ahí.

Subroto Mitra le gusta llegar a nuevos formatos y nuevas formas de revelado de películas y que ha hecho mucho de eso largo de los años. Muchas otras personas han intentado, pero una vez más, depende de quién eres y lo que usted piensa es grande. Si vale la pena el esfuerzo, si usted ve la diferencia, entonces genial. Una gran cantidad de veces, al intentar tomar de otra persona técnica y reproducirlo, no estás después de la misma visión y no usted. Francamente, estoy muy inventivo de las cosas que hago, y que preferiría seguir mis propias ideas, simplemente porque sé lo que busco en lugar de copiar a alguien más.

AH: ¿Cuál diría usted que es su favorito cine fotografiado de todos los tiempos? O incluso su película favorita?

RJ: Me gustaría no tener que hacer una elección, porque cuando usted dice favoritos, es casi como votar por el mejor actor del año que creo que es totalmente ridículo porque uno es tan talentoso como el otro. Es posible que gusta más por el guión o el director de la dirección de la actor, pero es realmente injusto decir "este es mejor que el otro" porque sería igualmente absurdo para mí de todas las grandes películas que se han hecho por ahí e ir "Me gusta que un uno mejor que cualquier otro! "

AH: Me gusta esa respuesta. Yo siempre pregunto esto por todas mis entrevistas y admiro realmente diferentes, amplio respuestas que recibo. Yo ya sea obtener una respuesta brillante como eso o conseguir a alguien que dice "yo veo cientos de películas al año y este es mi # 1 de todos los tiempos". Y mientras yo elija Pather Panchali como la mía, es sólo una respuesta a una pregunta; en realidad, es el que yo elijo a pesar de que tengo cerca de 100 películas favoritas de todos los tiempos.

RJ: Por supuesto. En un momento dado si yo estoy sentado en un teatro y estoy inspirado me sentiría de esa manera a la vez, pero para sentarse a pensar en ello, es las manzanas y las naranjas. las películas son diferentes grandes por diferentes razones!  

Historia de éxito de un genio fascinado por la luz • • Premio Rajiv Jain ganar India Director de fotografía de DOP • • Director de fotografía

 

Una lección de la muestra: HD vs Cine …

Los aspirantes a cineastas son muy afortunados en comparación con años atrás. Hoy en día, usted puede hacer una película en cualquier formato y seguir siendo tomado en serio, en el supuesto que tiene una gran historia y los valores de producción bastante buena. Como se ha mencionado, The Blair Witch Project es una de las películas independientes más exitosas jamás se ha hecho, sin embargo, recibió un disparo con un consumidor cámara de video (no digital).

Antes de la revolución digital de la década de 1990, las cosas eran muy diferentes. Si la película fue filmada en un formato de 35 mm, no tenía ninguna la oportunidad de ser distribuidos. 16 mm no se tomó en serio y video era una broma. Estas normas fueron tan arraigada en la industria, que incluso los actores se mostraron reacios a trabajar en la no-35mm brotes.

Todos los que ha cambiado ahora. Asequible, las cámaras digitales de alta calidad han democratizado la industria. Aún así, película de 35 mm es el estándar por el cual todos los formatos de vídeo son juzgados.

Tiene video alcanzó el nivel de calidad igual de 35 mm? cineastas de la vieja escuela dicen "no" porque la capacidad de captura de imágenes de 35 mm es un "tropecientos" veces mayor que la de vídeo. ¿Es esto realmente así? Echemos un vistazo más de cerca. La verdad puede sorprenderle.

Nota: el estudio a continuación se basa en el clásico de alta definición con 1080 líneas de resolución horizontal. En 2007, la primera cámara de ultra alta definición se introdujo con un sorprendente 4.520 líneas. Tenga esto en cuenta al leer! Los conceptos asociados con la alta definición (HD) puede ser confuso para aquellos que no están familiarizados con la cámara de vídeo función. Si usted es un cineasta principio, términos como líneas de exploración, SD, HD y tecnología de 4k, sin duda hará que su vuelta la cabeza!

No temas, porque los conceptos son sorprendentemente sencillo. En esta lección, cubriremos los fundamentos de vídeo de alta definición y le proporcionará una comprensión práctica de la terminología. Además, vamos a ver 4k tecnología, también conocido como Ultra HD. Esta tecnología es utilizada por la innovadora cámara Red One, presentada por la Red Digital Cinema Company en 2007.

Para entender la alta definición de vídeo, debemos empezar por el principio y examinar cómo las imágenes son grabadas por una cámara de vídeo.

Grabación

Al grabar vídeos, cinta magnética viaja a través de la cabeza de grabación de la cámara. La cabeza es esencialmente un electroimán, que es activado por la señal eléctrica desde el procesador de imagen. Como la cinta de vídeo se desplaza sobre la cabeza, las partículas de hierro en la cinta están magnetizados. Esto, en esencia, se convierte en la imagen grabada.

La última generación de cámaras de vídeo puede grabar en el disco duro o tarjeta extraíble. Esto permite que los archivos a ser transferidos directamente a su ordenador para su edición.

Líneas de exploración

La imagen de vídeo se registró una línea horizontal a la vez. Estas líneas se llaman líneas de exploración y el proceso que se conoce como la exploración. Si te fijas bien en una pantalla de TV podrás ver las líneas de exploración. Usted probablemente no puede verlas en el monitor del ordenador porque las líneas son más estrechas que en un televisor.

Definición Estándar (SD)

El término "definición" significa, básicamente, los detalles visibles en la imagen de vídeo. Se mide por el número de líneas de exploración horizontal en un solo marco. En los Estados Unidos y Japón, el vídeo de definición estándar es de 525 líneas. En la mayoría de países europeos, la definición estándar es de 625 líneas. (La primera es conocida como NTSC, esta última es PAL).

De alta definición (HD)

Aunque bombo se ha hablado mucho sobre la alta definición, el concepto en sí es simple de entender. Técnicamente, cualquier cosa que rompe la barrera del PAL de 625 líneas se puede llamar de alta definición. Los más comunes formatos HD cuentan con 720 y 1080 líneas de exploración.

Ultra Alta Definición

Ultra alta definición cuenta con una asombrosa 4520 líneas horizontales de la resolución. Conocido como "4K" La tecnología ya las líneas de exploración superior a 4.000, que será sin duda el estándar de la industria en el futuro.

Las siguientes fotos muestran el tamaño relativo de los distintos formatos. El primero representa la estructura típica de vídeo digital (DV y DVCAM). Observe cómo mejora el detalle como el número de líneas de exploración aumenta. La foto final muestra el gran salto en el detalle de la imagen 4k tecnología ofrece.

Como punto de referencia, el monitor típico plano de la computadora cuenta con 2.000 líneas de resolución. Película de 35 mm – según la percepción de los humanos ojo – cae en el rango medio de alta definición de 35 mm Para más información sobre las comparaciones por favor ver nuestra lección de muestra: HD vs 35 mm..

La tecnología 4K se basa en el chip de 12 megapíxeles de propiedad desarrollado por la empresa Red Digital Cinema. Su asequibles Red One cámara puede disparar las tasas de exploración de todos los populares, incluidos los señalados anteriormente. La tecnología 4K puede llegar a ser el toque de difuntos para película de 35 mm.

Comparación

No son dos factores que se pueden comparar: color y resolución. La mayoría de los observadores casuales de acuerdo en que, partiendo de un monitor de televisión de calidad, de color HD es realmente extraordinario. Para evitar un argumento matemático prolijo, vamos a aceptar esta a su valor nominal y se centran en la comparación de la resolución, que es el spoiler real.

La resolución es el detalle visible en una imagen. Dado que los píxeles son el punto más pequeño de información en el mundo digital, parece que la comparación de número de píxeles es una buena manera de comparar la resolución relativa.

El cine es análogo modo que no hay real "píxeles". Sin embargo, basado en medidas convertido, un marco de 35 mm tiene de 3 a 12 millones de píxeles, dependiendo de la población, el objetivo y las condiciones de disparo. Un marco de alta definición cuenta con 2 millones de píxeles, medida con 1920 x 1080 líneas de exploración. Con la diferencia de 35 mm parece muy superior a la HD.

Este es el argumento más puristas del cine uso. La verdad es que, los píxeles no son la manera de comparar la resolución. El ojo humano no puede ver los píxeles individuales más allá de una distancia corta. Lo que podemos ver son las líneas.

En consecuencia, los fabricantes de medida de la nitidez de las imágenes fotográficas y componentes utilizando un parámetro llamado Modulation Transfer Function (SMN). Este proceso utiliza las líneas (no píxeles) como base para la comparación.

Desde SMN es un estándar de la industria, que se mantener este estándar para comparar HD con película de 35 mm. En otras palabras, vamos a hacer la comparación con las líneas en lugar de píxeles. líneas de exploración son la forma de imágenes de vídeo se comparan, por lo que tiene sentido desde este punto de vista, también.

Resolución HD

Según lo discutido previamente, la definición estándar y alta definición se refieren a la cantidad de líneas de exploración en la imagen de vídeo. definición estándar es de 525 líneas horizontales para NTSC y 625 líneas para PAL.

Técnicamente, cualquier cosa que rompe la barrera del PAL de 625 líneas que se podría llamar de alta definición. La resolución de alta definición más comunes son las líneas de 720p y 1080i.

Resolución de 35 mm

No es un estudio internacional sobre esta cuestión, llamada Resolución de la imagen de películas de 35 mm en el Teatro Presentación. Se llevó a cabo por Hank Mahler (CBS, Estados Unidos), Vittorio Baroncini (Fondazione Ugo Bordoni, Italia), y Sintas Mattieu (CST, Francia).

En el estudio, las mediciones SMN se utilizaron para determinar la resolución típica de su presentación en salas impresiones y respuesta se imprime en la operación normal, utilizando existentes estado de la técnica de película de 35mm, procesamiento, impresión y proyección.

Las impresiones se proyectaron en seis salas de cine en varios países, y un panel de expertos hizo las evaluaciones de las imágenes proyectadas utilizando una fórmula bien definida. Los resultados son los siguientes:

RESOLUCIÓN de 35 mm

Medición Líneas

Respuesta MTF de impresión 1400

Estreno SMN Print 1000

Teatro El mejor evaluación de 875

Teatro Promedio de evaluación 750

Conclusión

A medida que el estudio indica, la percepción de las diferencias entre HD y película de 35 mm están desapareciendo rápidamente. Observe que utilizo la palabra "percibida". Esto es importante porque no estamos filmando una película para laboratorio estudio, sino más bien para el público.

En este punto, el público típico no puede ver la diferencia entre HD y 35 mm. Incluso los profesionales tienen dificultades para decirles aparte. Pasamos por esto todo el tiempo en la NYU ("¿Fue esta toma en una película o un video?").

Una vez más, el estudio fue basado en el estándar de alta definición con 1080 líneas de resolución horizontal. Ahora han ultra alta definición con 4520 líneas.

Sobre esta base, el debate es discutible. 16 mm, 35 mm, DV y HD son todas las herramientas de la cineasta. La cuestión no es el formato es el mejor, sino más bien, el formato es el mejor para su proyecto? La respuesta, por supuesto, se basa en un equilibrio entre las consideraciones estéticas y presupuestarias.

Aspecto técnico del cine de exposición a operaciones de conjuntos y formatos

Rajeev Jain – ICS WICA

Indio de Bollywood / Director de fotografía Director de fotografía / DOP  

UMA: ¿Puedes hablar acerca de sus inspiraciones antes se metió en la cinematografía?

Rajeev Jain: Ver televisión en color por primera vez comenzó mi fascinación por la tecnología de la luz y la fotografía. Estos estudios fueron enriquecidos por una reunión de notables DOP llamado KK Mahajan, el señor Mahajan me presentó a cineastas como Mrinal Sen, Gopalakrishnan Adoor, Mani Kaul y Buddhadeb Dasgupta. Y pronto se dio cuenta de lo que es una forma de arte fenomenal esta tecnología puede ser maravillosa. Casi al mismo tiempo, cuando tenía 13 años, estaba la puerta, estrellándose el conjunto de Shatranj Ke Khilari en Lucknow, que Satyajit Ray dirigir y Soumendu Roy, tiro fue. Roy fue la iluminación interior de este enorme, tiro Arri CII en lo que probablemente fue ASA 125 de color negativo. Parecía estar en todas partes a la vez, puesta a punto del bastidor con el operador, ajustando las posiciones de los jugadores de fondo, ajustar la luz de al menos una docena de bebés. Al encabezar una hermosa actriz Shabana Azmi a su marca y sutilmente ajustada a la sombra en la frente, me dije a mí mismo que este hombre tiene el mejor trabajo en la historia del mundo.

UMA: Si tuvieras para etiquetar una calidad de una DOP realmente necesita para tener éxito en el cine, ¿cuál sería?

Rajeev Jain: Creo que, a falta de un término mejor, sería ser un punto de vista. Todo el mundo ve el mundo desde su propia perspectiva y esta singularidad es lo que lleva a la Declaración de Principios de la película, respectiva de la historia, por supuesto. Es difícil ahora, porque tanto de la industria está impulsado por la economía, lo que significa que eres un héroe si se puede lanzar una pocas luces suaves y golpear un montón de tiros. Esto va en contra de tener una idea y el sentimiento de lo que se toda la razón para que la historia que estás contando. Pero, si usted elige cuidadosamente y encontrar el director adecuado, su manera de ver dejará una impresión.

UMA: Hubo un momento clave que pueden señalar cuando se sabía que acabaría siendo director de fotografía?

Rajeev Jain: Bueno, hubo un momento bien, pero fue pura casualidad. Yo no tenía planes de ser un director de fotografía-ninguna en absoluto.

UMA: Su trabajo siempre se ha sentido tan puro para mí, casi espiritual en cierto modo. ¿Cuál es la cualidad más importante que un director de fotografía debe llevar a una película?

Rajeev Jain: La tarea más importante del Director de la fotografía es crear una atmósfera. Para interpretar el estado de ánimo y sentir el director quiere transmitir. Yo sobre todo realizar esta tarea utilizando muy poca luz y muy poco de color. Hay un dicho que un buen guión que dice lo que se está haciendo y lo que se dice ser, pero no lo que alguien piensa o siente, y hay algo de verdad en eso. Las imágenes no las palabras, captar los sentimientos en los rostros y ambientes y me he dado cuenta que no hay nada que puede arruinar la atmósfera la misma facilidad que un exceso de luz. Mi lucha por la sencillez deriva de mi lucha por la luz lógica, la luz verdadera.

UMA: Si tuviera que escoger una sola cualidad una DOP necesita para tener éxito, ¿cuál sería?

Rajeev Jain: Gusto. ¿Qué significa realmente la capacidad de saber lo que las secuencias de comandos para trabajar, lo que se siente bien en cuanto a composición, iluminación, todo lo que sucede en una película. El gusto es un instinto y debe guiarlo hacia los proyectos que se van a proporcionar una gran experiencia. He tenido la suerte en cuanto a las películas que he tenido la oportunidad de trabajar, pero parte de eso es mi capacidad de ir con lo que se siente derecho a confiar en mi gusto y ver a dónde va que me llevara.

UMA: Me pregunto lo que el director nunca se puso a trabajar con los que hubiera querido, vivo o muerto.

Rajeev Jain: Creo que, de los que ya no todo, sería Satyajit Ray. Su habilidad para contar una historia visualmente era increíble. Y en cuanto a los que siguen ahí, tendría que ser Adoor. Estos son los directores que no dependen tanto de la palabra hablada, su talento es muy puro en el sentido de la vista, y que más me interesa.

UMA: 25 años han pasado desde que usted era niño pequeño que de pie sobre las vías del ferrocarril en Etawah. ¿Puede señalar una cosa que he aprendido como DOP que le ayudaron a viajar por las pistas mejor que cualquier otro?

Rajeev Jain: Luz. Por todo lo que hacemos como seres humanos que se ven afectados y se define por la luz. Un director de fotografía es un maestro de la luz. Tenemos que pensar acerca de la luz, para aprender a ver en todos sus estados de ánimo y enfoques diferentes. Es absolutamente, la herramienta más importante que tenemos que trabajar como director de fotografía y yo que, como personas, también. Siempre era lo que yo estaba tan consciente de cuando yo estaba mirando por las vías del ferrocarril como un niño y años más tarde. La luz.

UMA: Por lo tanto, es que un disparo de sus favoritos de todos los tiempos?

Rajeev Jain: No, no realmente. El problema de señalar a un tiro es que va en contra de lo que creo que las películas deben hacer. Una película es una suma de sus partes y una dosis es tan fuerte como lo que ha llegado antes. Los puntos de Pather Panchali que muy bien. Es más que nada hace en estas mismas directa en planos medios. Hacia el final de la película, después de la muerte de Durga, vemos Apu cepillarse los dientes, peinarse … va sobre la realización de tareas, que han involucrado a su hermana o la madre. Sarbajaya (madre) tiene una mirada perdida … Harihar vuelve, sin darse cuenta de la muerte de Durga. En un ambiente jovial que dice en voz alta a sus hijos. Sin ningún tipo de reacción, Sarbajaya va a buscar agua y una toalla para él. Harihar comienza a mostrar los regalos que ha traído para ellos. Cuando se muestra un sari que le ha comprado a Durga, Sarbajaya se rompe. Escuchamos las notas altas de un instrumento musical "Tarshahnai" que simboliza su llanto incontrolable. Consciente de la pérdida de Durga, Harihar se desploma sobre su esposa. Vemos habla Apu, por primera vez tomar el protagonismo en la historia. Hasta ahora la historia se visto a través del punto de vista de cualquiera Sarbajaya o Durga. Es sólo en estos últimos momentos que vemos Apu como un individuo independiente. Ese marco, que es increíble, no habría significado casi tanto si toda la película no se había hecho en esta altura de los ojos, el enfoque de plano medio. Para seleccionar un solo tiro en una película es negar que la vacuna es importante por el estilo ya establecido.

UMA: ¿Te imaginas una vida sin fotografía? Una carrera totalmente diferente de la que tomó?

Rajeev Jain: Por supuesto que no, cuando yo era más joven no podía. Pero más adelante en mi carrera, después de que yo había hecho teatro y Foto Fija, descubrí este deseo de ir a la física de estudio. Yo estaba en el amor con el concepto de la relatividad de Einstein-que fue la mejor poesía que había leído nunca. El concepto de que cualquier asunto que figura en la energía y la energía en cuestión muestra el poder de la intuición de un hombre. En ese momento yo tenía una familia que mantener y me di cuenta mi camino fue en el cine, no la física. Pero el instinto estaba allí, sin embargo.

UMA: Forma y contenido de trabajo en armonía.

Rajeev Jain: Por supuesto. Como la luz y la oscuridad, lo que parece estar en conflicto a veces puede conducir a una unión sin fisuras y tienen un gran poder en la pantalla.  

Rajiv Jain Cinematografía: Teoría y Práctica

Rajeev Jain es un premio ganando tiempo dos veces director de fotografía y ha sido nominado varias, nominación más reciente por "Mejor Logro Individual en la fotografía de la cámara" Primavera 09.

En los últimos 25 años, Rajeev ha construido su reputación de trabajo en el cine Y la televisión. Se le considera un pionero en el mundo de la televisión de alta definición, como uno de los primeros DP para trabajar en el nuevo medio.

estrecha colaboración de Rajeev con Indo Studio (la empresa HDTV primera producción en el África del Sur) durante la década de los noventa lo convierte en uno de los pocos de DP que ha trabajado con cada generación de cámara de alta definición desde su creación. El alcance de su obra incluye documentales, comerciales, realidad, la televisión infantil, y películas independientes.

Rajeev Jain ha creado una obra maestra. "Rajiv Jain Cinematografía: Teoría y Práctica ": es su tercera entrevista con mí y para el experimentado director de fotografía o aspirantes – la referencia mejor entrevista que he hecho.

Cualquiera que aspira a la mayor arte de la narración debe tener este artículo en su plataforma. Él escribe: "En el corazón de ella, el cine es fotografía, la cinematografía, pero es más que el mero hecho de la fotografía. Es el proceso de tomar ideas, palabras, acciones, subtexto emocional, el tono y todas las demás formas de comunicación no verbal y la representación en términos visuales. "A través de ambas metáfora verbal y ejemplo pictórico que tiene las claves de este arte desde su escondite debajo de la cama y se cuelga ahí mismo en la clavija en la pared de la cocina. Todo lo que tienes que hacer es bajarlos y aplicarlas.

Aprendizaje el lenguaje del arte visual es más que aprender la diferencia entre los ángulos de la cámara subjetiva y objetiva, o conocer lo que el director quiere decir cuando dice que quiere "una gargantilla." Cuando se haya terminado el primer capítulo tendrá una suficiente manija en el mandato de un director y bandy fotografía sobre en el aparato para sonar como un profesional. En el momento de llegar al quinto capítulo "cinematográfico Continuidad "que se ha estado expuesto a la teoría suficiente nivel de postgrado y la práctica para empezar en el camino hacia el dominio de la forma. Disfruté especialmente Rajeev explicación y ejemplos de continuidad. Vídeos musicales y canciones de Bollywood, ha tenido un efecto tan profundo en los nuevos cineastas que muchos de nosotros desde el 'Old School' tienen una tendencia a preguntarse qué está pasando a veces. No es tal la falta de "continuidad" en muchas de las secuencias de montaje que ver ahora los días que era reconfortante ver tanto tiempo y el espacio dedicado a una parte tan importante de la narración.

Glosario Condiciones

Cortar (intercalan, de corte transversal) Un corte que marca la transición abrupta desde el final de un tiro al comienzo de la siguiente toma. Un tiro se dice que intercalan en otra cuando vuelve el cine a la primera inyección, como cuando vemos un primer plano de la cara de un personaje, a continuación, una memoria retrospectiva que el carácter es que se intercalan en la foto la cara, y cuando el flashback es más, la película vuelve a la inyección facial. Transversales se produce cuando la película va y viene entre, o entre, acciones paralelas, como en una escena de persecución.

enfoque profundo cinematografía Mantener el enfoque y la claridad de la imagen constante de los objetos que aparecen cerca de la cámara a los lejos en la parte trasera del bastidor, lo que permite al espectador ver más espacio dentro de la toma, incluyendo los detalles de fondo y acciones.

Disolver (partido disolver) Una transición de un disparo a otro en el que las imágenes se superponen durante un tiempo, a veces se usa para aliviar la brusquedad visual de la transición (a partir de una escena de la cueva oscura iluminada para una escena nevada luminosas) y en otras ocasiones utiliza para sugerir una asociación entre dos imágenes (a partir de una carta dirigida a un personaje de una foto de ese personaje de leer la carta) Un partido de disolver aquellos en los que los elementos gráficos de las dos imágenes coinciden, como en el Primer plano de Psicosis de la mujer asesinada el ojo y el desagüe de la ducha.

Edición (montaje y corte) Las formas en que varias piezas de la película se unen entre sí. El montaje es el término francés para la edición, o el corte, pero también tiene una connotación de la creación de significado a través de patrones de edición. Hollywood Montaje comúnmente se refiere para el corte rápido unión de múltiples disparos, a menudo utilizando disuelve muchos, para crear el efecto de la crónica de rapic del paso del tiempo, a partir de la juventud de un personaje a la madurez.

El establecimiento de (O maestro) disparo con un largo disparo extrema que muestra (o cree) la totalidad del espacio en el que la escena posterior se llevará a cabo. Muchas escenas comienzan con disparos como para orientar al espectador, A veces hay dos tomas de establecer, una exterior y uno interior.

Eyeline partido de la creación a menudo a través del corte, de la dirección de los caracteres mirada. A veces una foto se mostrará un personaje que mira, y un segundo disparo le mostrará lo que el personaje está mirando. En otras ocasiones el término se utiliza para referirse a la direccionalidad de las líneas del personaje de la visión dentro de disparos.

Flashback Un salto en el tiempo narrativo desde el presente hacia el pasado. En lugar de proceder por orden cronológico a través de la historia, los flashbacks permitirá a los cineastas para ir y venir entre el pasado y presente.

Formalismo Una teoría del cine que hace hincapié en las propiedades formales del cine que dan forma a la películas manera en que se hizo. Formalistas reconocer, por
ejemplo, que la organización de espacio de la pantalla es una actividad Artística que se diferencia de nuestra percepción cotidiana de la vida real. Grandes teóricos formales incluyen Sergei Einstein y Rudolph Arnheim.

estilo Invisible Una norma de la cinematografía en la que el estilo no se nota generalmente, con base en el supuesto de que la narrativa es siempre más importante que el estilo y debe dominar. Estos dispositivos no están cruzando la línea de 180 grados y corte en la acción, reacción, y el diálogo contribuir a este estilo invisible.

La 180 grados de la línea de una línea imaginaria trazada entre la cámara y los actores / acción que la cámara no se cruza con el fin de evitar la desorientación del espectador y mantener un estilo invisible.

Realismo Una teoría del cine que hace hincapié en la naturaleza de grabación del cine, así como la conexión entre la cámara y lo que está delante de él en la vida real. realistas más importantes son André Bazin » y Siegfried Krucauer.

Escena Una escena es una unidad narrativa determinada por unidad de tiempo y espacio. Los acontecimientos en la escena ocurre en un solo lugar a la vez, una tarde escena, por ejemplo, se puede producir en el mismo lugar en un momento diferente.

Shot (disparo cerca o de cerca, medio, largo, de dos disparos, el seguimiento, y la carretilla) Un tiro es una imagen en la película sin interrupciones por cortes u otros dispositivos de transición. Los términos cierre tiro (o close-up), plano medio, y le disparó a largo indican la distancia de la cámara de la central objeto de ser fotografiado con una persona, un disparo cerca de general muestra la cara y tal vez los hombros, un plano medio muestra a la persona de la cintura para arriba, un disparo de larga mostrará la persona completa cuerpo. A dos golpes es el que cuenta con dos personajes por igual. Seguimiento o plataforma (o muñequita) disparos son aquellos en los que la cámara se mueve. Se montan tradicionalmente en una plataforma móvil, o una carretilla, y que siga o "pista" un objeto en movimiento, como un personaje a pie o en caballo al galope. tomas de seguimiento o carro también puede moverse a través de un conjunto (como una casa hounted) en la que nada se mueve, dando una profundidad compleja a la vacuna.

Disparo / retroceso de edición de disparo de un modelo de edición que muestra, en primer lugar un personaje y luego cortar una a una vacuna que permita revertir nos da una visión casi opuesta, por lo general a otro personaje que está hablando o interactuando con el primero. Muchas escenas simplemente ir y venir entre estas tomas hasta que todo diálogo significativo se ha hablado y la acción se ha producido.

La norma estilística rasgos estilísticos del cine en un momento determinado. Salidas de la norma estilística se puede utilizar con buenos resultados por cineastas creativos porque vienen como una sorpresa.  

Maestro de la Luz: Conversación con el Director de fotografía contemporánea india de Bollywood – Jain ICS Rajeev WICA

! EXCLUSIVO Rajeev Jain (India Kenia Director de Fotografía)  

India Kenia fotografía Rajeev Jain conversaciones acerca de unirse a FM Heart Beat y explica el significado de la "Beat FM Corazón disparo de ancho" en entrevista exclusiva M-net.

Rajeev Jain es amable, cordial, divertido e intenso (de una manera muy buena) y muy inteligente. Ah, y se me ocurre mencionar, que es un director de renombre mundial de la fotografía. A pesar de que se parece mucho a su buen amigo, Matthew Robinson, que es su propia personalidad, un individuo y, un buen tipo maldita. Cuando hablo con él queda claro por qué estos dos hombres trabajan juntos tan a menudo y tan brillante. Son como dos mitades de un todo. Como Rajeev me dijo durante la entrevista: "A veces Mateo y creo que tan parecidos, da miedo." Ahora que he entrevistado a los dos, puedo ver lo que que está diciendo y, es una clase muy buena de miedo.

Entonces, ¿qué le hablas a un famoso director de fotografía sobre? Bueno, hemos hablado un poco de todo. Nosotros habló sobre el sitio de soporte y su obra.

Rajeev está en la película Kalasha y Premios de Televisión en Nairobi, Kenia, donde pronto estará presente en la ceremonia de clausura y estamos luchando con fuerza con una conexión de Skype mal. Nuestra entrevista originalmente destinados vocales rápidamente se convierte en un hecho por el tipo de mensajes de texto para remediar el problema. Y, Rajeev, con todo lo que tiene por delante de él en el festival, no duda ni un segundo para pasar el tiempo extra necesario para escribir en lugar de hablar de la entrevista. Estoy muy agradecida. Le debo una gran deuda de la generosidad de su tiempo y el espíritu de esta entrevista. Oh, sí, y un vaso de vodka.

Q: ¿Qué hizo que usted se compromete a subir a bordo?

R: En realidad es una linda historia. Que había hecho EL LARGO CAMINO durante tres años y me dejó que muestran porque yo vivía en Nairobi que el tiempo y yo estaba cansado de volar de ida y vuelta a Dubai y Mumbai. Me buscando algo en Nairobi, porque yo quería quedarme allí. Así que cuando me llamó le dije: "No, gracias. No me interesa." Y mi encargado, dijo, "Rajeev, que reconsidere. Pídales que enviarle el guión. He visto el guión. Es lo que usted está buscando. "Entonces, me senté y mi encargado y he leído todo el guión, básicamente, de una sola vez y me volví hacia él y le dijo:" Usted hizo algo muy malo aquí. No puedo decir que no a este espectáculo ahora. "Él dijo que él sabía lo que estaba haciendo. A pesar de que él no quería vivir separados y fue muy duro. [Para el encargado de] ¿No es eso cómo sucedió? Él dijo que sí. Él sonríe.

Q: Usted fue el DP para toda la temporada. ¿Qué se siente trabajar con un director que tiene una visión diferente casi cada semana?

R: Desde que me tiro cada episodio, no tuve la oportunidad de preparación con el director. Así que sería llegar a un concepto y vienen en el set y ensayar la escena. Si sonó verdad para mí y sentí que era el camino a seguir, yo diría, "Bien, eso es una buena idea." Si quería algo que sentía tangente al estilo del show que estábamos tratando de mantener, entonces yo podría hacer una sugerencia para intentar algo más. Si usted es un director inteligente que escuchar a la gente que está ahí todo el tiempo. Yo sintonizado muy rápidamente a lo que Matthew Robinson quería. Que yo llamaría Mateo Robinson y preguntarle si vio los diarios de ayer, y lo que pensaba de ellos. Y eso me daría una mejor idea de si yo estaba en el camino correcto o no. Y después de unos tres o cuatro episodios yo tengo lo que buscaba, no el 100 por ciento del tiempo – nadie puede hacer eso – pero un buen 80 por ciento del tiempo.

Q: ¿Qué le considerar la firma FM Heart Beat tiro?

R: Los planos generales se refieren como tiros Heart Beat FM. Administración dirá: "Vamos a hacer el Heart Beat FM gama tiro ", que en la televisión no es algo que muy a menudo ver Mateo Robinson le gusta celebrar las cosas en general tiros y me ocurre gusta mucho también -. pone a tu personaje en una lugar o un local, que le dice algo sobre el personaje. Así que yo lo veo como un dispositivo de narración de cuentos. El otro tipo de tiro que es algo característico de la serie es cuando hay algo algo grande en el primer plano y luego más lejos en el fondo de ancho. Hacemos un llamado de par en par y se cierra. Usted puede mantener la atención en el dinero, digamos, en primer plano y son los personajes en el fondo, bien fuera de foco o mucho más pequeño.

Q: ¿Alguna vez tan atrapados en el desempeño que usted se olvide de prestar atención a los aspectos técnicos de las cosas?

R: Eso es lo que se supone que debo estar prestando atención. Mi trabajo no es sólo para hacer la iluminación y crear vacunas, pero para asegurarse de que la iluminación y los disparos reflejan la escena de la manera más eficaz. Si estoy conmovido por lo que veo, entonces sé que he hecho bien. Tengo personas que operan las cámaras y la gente de iluminación y la falsificación. Todas las personas mantener un ojo en la parte técnica para mí, y estoy preocupado con la narración de cuentos. Eso es lo que me interesa sobre el empleo eficiente, eficaz narración de cuentos.

Q: ¿Cuál es tu escena favorita?

R: Yo no te puedo decir porque es más tarde en la temporada. Usted lo sabrá cuando lo vea. Se vuelve loco como la historia se desarrolla. He aquí una cosa: ¿Qué Matthew Robinson y los escritores hacer es dejar caer una sola línea en un episodio temprano y luego no menciona nada al respecto hasta las nueve episodios más tarde, y luego, de repente hay un episodio trata de que una sola línea. Es interesante para mí trabajar en algo que está tan bien planeado y circular en términos de su narración. Creo que es simplemente genial.

La Forma de la Luz – Rajeev Jain Pinturas con su cámara  

Rajeev Jain (Fecha de nacimiento: 1968, Lucknow) comenzó a trabajar como director de fotografía en 1993, después de cumplir un aprendizaje como asistente de cámara y operador de cámara. Desde entonces Rajeev ha trabajado como director de fotografía con algunos de los más estimados de la India directores, en algunos casos se establece una estrecha e íntima. Nos encontramos con Rajeev Jain en la India, con motivo de un seminario de cinco días organizado por el Club de Cine de Nueva Delhi en la forma de la Luz, un evento que contó con la participación de cientos de estudiantes, directores de cine de toda la India.

¿Cómo ha cambiado la cinematografía en los últimos quince años?

I fue a la Academia de Arte Dramático Bhartendu (Bhartendu Natya Academia) en Lucknow durante el período de la nueva ola. Fuimos testigos de una calidad cinematográfica que había "desencadenado" misma en muchos sentidos en el cine de la época hasta el final de la década de 1980. Incluso el montaje era mucho más libre, y Director de fotografía / Administración, con Gautam Ghose a la vanguardia, se la búsqueda de una mayor libertad. Incluso a la hora de disparar, el uso de cámaras de mano, con luz natural, o la iluminación de un modo que parecía natural, como por ejemplo a través de ventanas abiertas, etc es decir, una libertad absoluta ya sea con movimiento de la cámara o la iluminación.

Y en nuestro país?

En la India existe todavía una más estilo clásico de la fotografía, y estoy haciendo referencia, como Subroto Mitra, Sudhendu Roy, quien trabajó con Satyajit Ray hasta Agantuk (1991). Mientras tanto, otros cineastas con nuevas diferentes ideas fueron surgiendo también, como Ashok Mehta (36 Chowrangi Lane), especialmente en blanco y negro. Pero esta imagen en blanco y negro con su propia belleza estética apropiada tenía una característica la calidad de la fusión de iluminación a la atmósfera o el ambiente. Por lo tanto desde este punto quizá la cinematografía adquirido un significado más importante, una simbiosis completa con el cine y la narrativa.

Más Lectura: Rajeev Jain ICS WICA – fotografía – Director de Fotografía – DOP – http://www.rajeevjain.com/

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